現在我們很常看到一些「看起來很厲害」的動畫。 畫面很炫，鏡頭會轉，角色也真的動起來了。可是多看幾秒，有時候又會覺得哪裡怪怪的： 這個人走路怎麼有點飄？ 這個轉身怎麼不像真的在回頭？ 明明畫面一直在動，為什麼還是少了一點生命感？ 也正因為 AI 讓生成動畫變得越來越快，《動畫之書》反而更值得讀。 因為動畫最難的，從來不只是「讓畫面動起來」。真正難的是讓觀眾相信：這個角色有重量、有情緒，也真的活在那個世界裡。 《動畫之書》不追最新工具，而是回到動畫最基本的問題： 球怎麼彈才有重量？ 人轉頭時，為什麼眼睛會比身體先動？ 旗子飄、火焰燒、水流動，又該怎麼畫才自然？ 這些看似基本的細節，其實就是動畫好不好看的關鍵。 這本書也不只是給想當動畫師的人看。就算你只是喜歡動畫，讀完之後，也會開始用不一樣的眼光看作品。 以前看到某段畫面很順、很帥，可能只會覺得：「哇，這段好厲害。」但讀完這本書，你會開始注意到角色的重心怎麼移動、動作在哪裡停了一下、頭髮和衣服為什麼會慢半拍跟上。那些看似自然的流暢，其實都是動畫師一格一格觀察、安排出來的。 《動畫之書》是日本長銷超過 40 年的動畫製作入門經典，從物理原理、原畫與中割、透視法、動作節奏，一路拆解動畫是怎麼完成的。 我喜歡它的地方，是它沒有急著帶你追最新技術，而是讓你看懂動畫最核心的基本功：畫面不是會動就好，還要動得合理、動得有節奏，動得讓人相信。 工具可以變快，但基本的判斷不能省。AI 可以生成畫面，軟體可以補幀，可是動作怪不怪、節奏順不順、角色是不是真的像活在畫面裡，最後還是需要人看得出來。 🎯 如果你喜歡動畫、正在學動畫，或對 AI 影像創作有興趣，這本書都很適合作為入門。它不只是教你怎麼畫動畫，更是讓你看懂：為什麼有些畫面只是動了，有些畫面卻真的活了起來。 書封來源:博客來

有些歌不是只存在歌單裡，而是陪你走過一段人生 看到《Surrender：40首歌，一個故事》時，我第一個想起的不是波諾本人，而是那台曾經讓我很想擁有的 U2 特別版 iPod。 那時候沒有買到，於是我做了一件很青春、也很任性的事：把自己的 iPod 塞滿 U2 的歌。那段時間最常播放的，是〈I Still Haven't Found What I'm Looking For〉。它陪了我很久，甚至到現在，當我不知道要聽什麼時，還是會把這首歌打開。 所以讀這本書時，有一種很特別的感覺：原來有些歌不是只存在歌單裡，而是真的陪你走過一段人生。 《Surrender：40首歌，一個故事》是 U2 主唱波諾的個人回憶錄。全書以 40 首 U2 經典歌曲為線索，串起他的人生故事：從都柏林的少年時期、14 歲失去母親的傷痛，到 U2 一路成團、創作、巡演與成名；也寫他後來如何把音樂之外的力量，投入全球貧困、愛滋病防治與公共議題倡議。 如果你喜歡讀音樂人自傳，這本書會很有吸引力。因為它不只是寫「一個巨星怎麼成功」，而是讓你看到巨星背後那個不完美、很敏感，也很用力生活的人。 波諾在書裡很誠實。他寫自己的驕傲，也寫自己的脆弱；寫創作的閃光時刻，也寫樂團之間火藥味很重的分歧。讀著讀著，你會發現，那些經典歌曲不是憑空出現的，而是從他的失去、憤怒、信仰、愛與掙扎裡長出來的。 而「Surrender」這個字，也在書中變得很有重量。 它不是放棄，也不是認輸，而是在一路跌跌撞撞之後，慢慢懂得：有些事要用力爭取，有些事要學會放下；有些傷口不會消失，但它可能會變成一首歌、一段文字，或是讓你繼續往前走的力量。 這本書不像一般音樂人自傳，只回顧成名、巡演、掌聲和傳奇時刻。《Surrender》更像是一張很私人的生命專輯。每一章都用一首歌打開一段記憶，帶你看見波諾如何從都柏林少年，慢慢變成 U2 主唱、創作者、丈夫、父親，也成為一位投入全球倡議的行動者。 這本書很棒的地方，是它讓你看見更真實的 Bono。你會看見他的桀驁、自尊與易怒，也會看見他如何在音樂、家庭、信仰與公共行動之間，一次次回頭面對自己。 中文版在編輯設計上也很有巧思。書中每篇開頭都搭配波諾的塗鴉速寫與歌詞，讀起來不只是回憶錄，也像翻開一本有聲音、有畫面、有節奏的創作筆記。 即使你不是 U2 的粉絲，也很容易讀進去。因為它寫的不是「你要多了解 U2 才看得懂」的內容，而是我們每個人都可能經歷過的事：失去重要的人、想被理解、想證明自己、在關係裡學會愛，也在人生某些時刻，重新問自己到底要成為什麼樣的人。 🎯 推薦給 如果你曾經有一首歌，陪你走過某段很難說出口的時期，這本書會讓你很有感。 如果你喜歡音樂人自傳、搖滾樂故事，或想知道經典歌曲背後是怎麼長出來的，《Surrender》會很值得讀。 即使你不是 U2 的鐵粉，也不會被擋在門外。因為這本書真正迷人的地方，不只是舞台上的光，而是一個人如何在失去、愛與追尋裡，慢慢長成現在的自己。 音樂從來不只是音樂。它也可能是記憶、告別、信念，甚至是我們繼續往前走的方式。

「王家衛，（英語：Wong Kar Wai，1958年7月17日—），香港導演。以文藝愛情片見長，多次奪得香港電影金像獎並四度角逐坎城影展最高榮譽金棕櫚獎，是首位拿下坎城影展最佳導演獎的華人導演，亦曾擔任第59屆坎城影展評審團主席，是坎城影展歷史以來首位華人評審團主席。」 以上這段話是維基百科對王家衛導演的簡述，也是多數人對他的第一印象：名導、大導，善拍愛情片，備受西方電影圈喜愛，有許多獎項傍身。然而，常逛電影剛灣論壇的朋友或許都看過對他的批評。故弄玄虛，拍些沒人看得懂的東西，包裝精美的空殼子。這樣的攻擊多數出自不喜文藝片的受眾。顯然地，他們重視劇情，將攝影美術鏡頭調度等美學棄之如敝屣，彷彿只要有了所謂「深度」，自己就如那些他所鍾愛的作品一樣變得深沉變得厚重。事實並不。 又，你認為談情說愛是否庸俗？那答案是必然的。什麼愛情不庸俗呢？羅密歐與茱麗葉不庸俗嗎？杜麗娘、柳夢梅嫩高雅？什麼樣的愛是值得歌頌的，是需要犧牲與救贖？還是小愛大愛的拉扯？ 人類是一邊愛著一邊書寫歷史的，這裡的愛當然也包括男歡女愛。 王家衛用他的電影告訴我們，愛可以是史詩也可以是短語，是冬日的布宜諾斯艾利斯，也可以是陽光普照的加州。 時間 如果每個人都有屬於自己的trait tag，那我們可以輕易地在王家衛身上找到寫有「時間」的標籤。 時間，無論幕前幕後，都跟了王家衛一輩子。 當然本質上來說，時間對所有人類都是一樣重要的。只不過，王家衛比起度過時間更像是在「代言」時間。在他的電影裡，時間扮演的角色是極其重要的；同時，他並不避諱提及。比起偷偷摸摸地將理念包裝成精美的禮物，等待觀影者抽絲剝繭，王家衛是光明正大地將著個詞往觀眾眼前懟，生怕觀眾抓不到他的重點。 「十六號，四月十六號。一九六零年四月十六號下午三點之前的一分 你和我在一起，因為你，我會記住這一分鐘。」 ——《阿飛正傳》 無論是《重慶森林》裡過期的鳳梨罐頭，《花樣年華》裡巧妙變換的旗袍與廣告紙，《2046》裡的那句：「愛是有時間性的」，或是更直觀的，《東邪西毒》的英文譯名《Ashes Of Time》 王家衛拍下城市男女的相愛，並殘忍地將這些故事放上時間軸。現實中相愛的人不知何時將結束；然而電影再長總是會到頭。在他的電影裡，我們看盡愛的姿態，愛的模樣，愛人的絮語；然後我們也看萍水相逢又分散，相看兩厭然後追悔莫及，錯的時間相遇的良人終究遺憾。 愛本身單純；可時間讓它不得單純。 光影 王家衛的電影中，我們不難看出他那標誌性的色調。在他的鏡頭下，一切都是如此的鮮艷飽和以致有些刺眼。《阿飛正傳》、《春光乍洩》中的黃綠色調，《花樣年華》、《2046》中如血的豔紅。與之相輔相成的是他對鏡頭的精妙運用。王家衛善用蒙太奇手法推進劇情，將不同的場域畫面聲音剪裁然後拼貼。他將時間概念打碎成小塊，如馬賽克一般拼貼成一完整的作品。 《東邪西毒》中時間的錯位、《重慶森林》片頭的大厦追逐、《春光乍洩》黑白與彩色的切換、《花樣年華》中向下的階梯與擦身而過的兩人，來來回回，旗袍與牆上廣告變化。這些都是王家衛將光影結合時間，操弄得如火純青的例子。 愛本身單純；但光照的角度決定它何處單純。 遺憾 電影裡，時間推進著劇情，將角色送往終局。誰都希望有好的結局。美麗的童話，不可能實現的幻想。 「好結局」定義因人而異。如果我們將自己放入電影裡當然希望能得到體面。而跳出電影成為旁觀者時，好結局似乎就不一定要團團圓圓，有情人終成眷屬。遺憾，生命中充滿著遺憾，所以有些缺憾的故事才像生活。 「遇見你之前我從不後悔」黎耀輝對何寶榮說。 「密碼是『愛你一萬年』」何志武獨白如是說。 「雖然多半是露水情緣，不過沒所謂，哪來那麼多的一生一世？」周慕雲苦笑道。 「我在最好的時候碰到你，是我的運氣，想想，說人生無悔，都是賭氣的話，人生若無悔，那該多無趣啊。」宮二在棋盤前對葉問說。一滴晶瑩的淚從眼角滑過，她的臉白得近乎透明。 「那些消逝了的歲月，彷彿隔著一塊 積著灰塵的玻璃，看得到，抓不著。 他一直在懷念著過去的一切。如果他能衝破那塊積著灰塵的玻璃，他會走回早已消逝的歲月。」《花樣年華》的片頭，黑底白字的畫面浮上幕布。可是，我們打不破玻璃，逃不出光影，自願輸給時間。如願不難，難的是不貪婪的願。而無常恆在，人類必然貪婪，必然失望，必然遺憾。 可也正是因如此貪婪，讓我們動身追尋，如夸父，如伊卡洛斯。不問結局，不求善終，這亦是一種浪漫，是我們與宿命的抗爭。贏了便好，輸了留有遺憾亦好，總歸是人生。 愛本身單純，所以才生遺憾。 愛 說到愛，愛究竟是什麼？ 能找到一部名留青史之作，內容與愛完全無關的嗎？即使是利用，逢場作戲，虛情假意的欺騙，那依舊是愛的闡述。 在王家衛的電影裡，愛往往是主軸。劇中的角色如被裝進糖罐的蟻，想爬出，卻又沉溺於愛情的香甜。逃，在愛裡的人想逃出，不在愛裡的人想逃進。無論身在何處，人總是想像著他方的生活。 所以說愛究竟是什麼？ 我甚至不妄圖回答這個問題。愛過於龐大過於厚重，人盡皆知卻又虛無飄渺。普遍到被視為庸俗；但實際要見，卻又不真的能見到。 曾無數次想過，我願意為我愛的人擋一顆子彈嗎？我有辦法向黎耀輝一樣，隨手抄起一支酒瓶用力敲上那人的腦袋只為為愛人出氣嗎？愛生嫉妒，我是否又曾因此而想砍下誰的手臂，將劍刺進誰的胸膛？偷情聽起來不難，跨過那道德的坎就行。為對方改變穿著與生活步調這點我有過不少實踐，這些實踐也確實改變了我。 在一次次思忖，為「願意為對方做的事」定價，與幻影反覆討價還價，退讓然後羞愧最終懷疑，那，我愛那個人嗎？我要如何確認呢？ 這個問題曾困擾我許久。 後來的我也不能說想通這個問題，而是，不論如何，胸腔內那翻滾的情愫，欲言又止以至有些乾燥的口腔，鼓脹於喉頭的氣體腫塊，還有積蓄在眼眶，懸而未落的淚水。這些都是真的。 比起探究愛是什麼，不如相信自己是真正在愛著一個人的。 我不再懷疑與探討，愛就是瞬間，就是當下。 午後，沐浴於斑斕的光影之中，我想像身側有一台攝影機在拍攝。而自己此刻笨拙地吞雲吐霧會被錄下，這一分鐘的畫面被剪裁然後拼貼在生活的各處。時間正在流動，將殺死手中的菸，我也是菸，我就將死，結局會在那等我。鏡頭下，我想像自己正在愛著。唯獨這個，我不想像結局，想像死亡。 光透進樹葉與樹葉的罅隙，落在地上成了日花，我好像能看見那個下午，在布宜諾斯艾利斯的陽光下，白襯衫的平頭青年額頭上流著汗。煙繞著他，他看著遠方的另一名男人，若有所思。

如果藝術不只是掛在牆上的冷冰冰作品，而是一段可以重新體驗的鮮活歷史，你會想參與嗎？ 台南國家美術館（南國美）籌備處特別選在 3 月 25 日美術節當天，邀請大眾走進台灣近現代美術的「現場」。當天不僅全館免費開放，更結合了音樂、寫生與深度講座，讓藝術史轉化為可以親身參與的生活經驗。 — ▌ 音樂與寫生的交織：用感官重新定義觀展 這場美術節活動最特別之處，在於將「台灣藝術史」日常化。 南國美邀請了金曲歌王謝銘祐，並與 DJ 音樂藝術團隊 Oh Room 跨界合作，讓音樂成為導覽藝術的另一種旋律。此外，現場更舉辦戶外寫生活動，帶領民眾拿起畫筆，循著藝術家前輩們走過的創作軌跡，重新詮釋城市的風景。 ▌傳承講座：走進前輩藝術家的真實人生 除了看與聽，南國美更安排了極具溫度的「傳承」講座。 活動邀請到廖繼春、張萬傳與倪蔣懷等大師的後代親臨現場，從家族視角出發，分享藝術家在創作背後的日常軼事與情感。這不只是在認識作品，更像是透過家屬的敘事走進一段段真實人生，讓觀眾深刻感受「藝術與生活的連結」。 ▌讓藝術走進日常：從孔廟到咖啡館的藝術延伸 南國美籌備處強調，推廣美術不只是為了保存，更要讓它被理解與延續。 因此，藝術作品不僅出現在祀典武廟的現地展示中，更與在地咖啡館合作推出藝術杯，讓藝術靈魂滲透進台南的每個角落。這是一場關於台灣文化脈絡的「再發掘」行動，讓歷史成為一種可參與的當代經驗。 — 這場美術節不只是一個休閒去處，更是一次集體重建台灣藝術史的公共價值行動。透過對話與創作，我們能看見那些前輩藝術家如何與時代共振，並在 2026 年的今天，持續感受那份未曾消逝的藝術溫度。 圖片來源：台南國家美術館

很多人對當代藝術，其實都有一點複雜的心情。 一方面會覺得那是一個很迷人的世界。藝廊開幕、收藏家派對、藝術拍賣會……那些場景聽起來離日常生活很遠，卻總讓人忍不住好奇：裡面到底在發生什麼事？ 但當你真的走進美術館或藝廊時，往往又會出現另一種感覺。你站在作品前，看著牆上的說明文字，旁邊的人似乎都很投入地討論，而你心裡卻只浮現一個問題：這到底是在表達什麼？ 如果你也曾有過這樣的時刻，那我很推薦你翻開這本書。 作者比昂卡．波斯克，一開始其實也跟很多人一樣。她對當代藝術充滿疑問，甚至帶著一點懷疑。那些看起來難以理解的作品、藝廊裡神祕又帶點距離感的氛圍，還有動輒驚人的價格，都讓人忍不住想問：這一切到底是怎麼運作的？ 但她沒有停在「看不懂就算了」。她乾脆直接走進去那世界裡。為了搞懂藝術世界，她從藝廊最基層的助理做起，進入藝術家工作室幫忙，混進收藏家的派對與藝術圈的社交場合，甚至還跑去古根漢美術館當警衛，只為了觀察人們是怎麼看藝術的。也因為這樣，她並不是站在專家的位置談藝術，而是從「看不懂藝術」的困惑出發，一步一步走進這個世界。她像個好奇的觀察者，一邊工作、一邊提問，也一邊慢慢理解那些原本讓人摸不著頭緒的規則。 在這段過程中，她帶著讀者走進藝廊、藝術家工作室、收藏家的世界，以及熱鬧又複雜的藝術博覽會。那些平常只存在於新聞或傳聞中的藝術產業，在書裡變得非常具體，也非常真實。藝廊如何挑選藝術家、藝術家如何在創作與市場之間拉扯、收藏家又如何判斷一件作品的價值，這些看似神祕的運作方式，都慢慢在書中被打開。 更有趣的是，作者的筆調帶著一點幽默與自嘲。她既不盲目崇拜藝術圈，也不只是站在外面吐槽，而是用一種既好奇又誠實的眼光去觀察這個世界。於是讀者看到的不只是藝術圈的荒謬與現實，也能慢慢理解那些人為什麼如此投入創作與觀看。 🌟原本只是想破解藝術圈祕密的調查，最後其實變成了一個更大的問題：為什麼人類需要藝術？ 也許藝術從來不是少數人的奢侈收藏品，而是一種人類與世界連結的方式。那些作品未必每一次都能被完全理解，但它們常常在某個瞬間，讓人停下腳步，多看一眼。 讀完這本書，你或許仍然不能完全看懂所有當代藝術的作品。但當你再次走進美術館、再次站在一件作品前時，也許會開始用不同的方式去看它。 🎯 推薦給 曾經在美術館或藝廊感到「看不懂」的人 對當代藝術與藝術市場運作感到好奇的讀者 喜歡文化觀察、紀實寫作或臥底式報導的人 想用更輕鬆的方式理解藝術世界的讀者 書封來源:博客來

年假很多人都出國了。買好買滿、吃好吃滿、拍照拍滿。 但你有沒有某一刻停下來想過： 為什麼有些城市你一走就愛上？ 為什麼有些地方很新、很乾淨，卻讓人待不久？ 當你站在神廟前、教堂前、廣場中央時，你有沒有想過這些「壯觀的建築」，為什麼不會壓垮整座城市？ 城市讓人著迷，從來不只是地標 我們旅行時總是記得：羅馬的廣場、巴黎的林蔭大道、佛羅倫斯的街巷、巴塞隆納的街廓。 但真正讓人回味的，往往不是單一建築，而是街道怎麼走、廣場怎麼圍、或是建築怎麼連在一起。 麻省理工學院榮譽教授麥可．丹尼斯（Michael Dennis） 在《神廟與城鎮》中，用三千年的城市史告訴我們一件事：真正的都市，不是靠地標撐起來，而是靠結構維持。 🌟這本書會告訴你為什麼城市會有靈魂？ 這本書橫跨古希臘、羅馬、中世紀、文藝復興、現代主義到當代生態城市，分析 80 座經典城市和12 種城市形態。它反覆提出一個警訊：當每一棟建築都想成為「神廟」，街道就會死亡，而城市就會變成孤立的建築集合。 這也是為什麼很多新的城市看起來壯觀，卻讓人感覺很空、很散、也很冷。 讀過這本書，你會開始這樣旅行： 你會開始看街廓的比例 你會注意廣場是不是被建築界定 你會發現行人是否真的被優先考慮 你會理解為什麼曼哈頓是都市，而某些百萬人口城市卻不是 它會讓你重新理解：為什麼有些城市讓人一直想回去，而有些城市你卻待不下去。 🎯 推薦給： 建築／都市計畫相關學生與實務者 對城市有感，卻說不出問題在哪的人 年假旅行回來，突然想理解「為什麼那裡好住」的人 旅行時，我們總在看神廟。讀完《神廟與城鎮》，你會開始用不一樣的方式看見城市。 書封來源:博客來

奧斯卡快到了。我們會討論最佳影片、最佳演員，卻很少有人問：為什麼我會被這麼喜歡哪些電影？ 但你知道嗎那不是巧合，而是被設計出來的。更驚訝的是真正決定你會不會流淚的，往往不是電影中的台詞，或是不是演員的表演，而是：剪輯。 這本書，不只是給剪輯師！它表面上在談電影剪輯，但實際上，它在拆解的是： 故事如何控制觀眾的注意力 情緒如何被引導 為什麼有些角色會讓人信以為真 如果你是： 寫文章的人 做簡報的人 經營社群的人 創業者 老師 自媒體經營者 或只是想讓自己更有影響力的人 你都會從這本書裡找到實用的工具。 重點，其實就是這三件事 人不是被說服，而是被帶入電影的引擎不是創作者，而是觀眾的大腦。這句話不只適用於電影，更適用於所有形式的溝通。當對方被「帶進去」，他才會真正理解你。 好故事，一定有結構作者把三幕劇拆解為17個階段。這不只是電影理論，而是一套讓內容不鬆散、不無聊的結構工具。無論你在寫文章、提案、拍影片，結構清晰，情緒才會成立。 不要小看娛樂的重要性「娛樂」常被誤解成不夠深刻。但真正困難的，不是講得多深，而是讓人願意看下去。娛樂，是最高級的溝通能力。 書中最重要的一句話：你的作品不是你的孩子，你的孩子才是。 如果你在創作、做內容、經營品牌，這句話會救你很多次。創作是理想，作品最終會變成產品理解這件事，你才會真正成熟。 所以，不要把它當成電影工具書，這其實是一堂關於： 注意力 情緒設計 結構思維 觀眾心理 的實戰課。 🎯 推薦給 電影工作者（剪輯、編劇、導演） 影視相關科系學生 文字創作者、自媒體經營者 對說故事有高度興趣的人 想看懂電影套路與情緒設計的影迷 在奧斯卡之前讀這本書，你會看懂電影。但更重要的是你會看懂人。 書封來源:博客來

你一定看過這樣的風景。掃把不是靠在牆邊，而是用一條塑膠繩綁在水管上；騎樓太曬，就多加一塊有點歪、卻很有用的遮陽棚；店門口原本只是空地，久了就「順便」變成攤位、展示架，什麼都放。 看起來有點亂，但真的每天都在用。而這本書畫的，正是這些亂亂的街頭風景。 作者是一位建築師，但他沒有寫什麼高深的理論。他只是每天走路、散步、觀察，把那些我們早就習慣、甚至懶得多看一眼的小東西，一個一個停下來，好好畫、好好看。 把那些「為了生活，不得不想出來的辦法」記錄下來。 你會看到： 掃把怎麼掛 衣服怎麼晾 太陽太毒時，遮陽要怎麼撐 空間不夠時，人們怎麼自己變出空間 每一個都很實用，而且看著看著，會有一種很奇妙的療癒感。 因為你心裡其實很清楚，這些東西不是亂做的，而是「不這樣做，生活真的會很不方便」。 有些畫面會讓你突然想到自己住的那條街、那個市場、那個夜市；有些甚至會讓你忍不住笑一下，因為你真的看過、用過，甚至也曾依賴過它們。 🎯 推薦給你，如果你是這樣的人： 走在路上會亂看，會注意小細節的人 對城市、街景、巷弄有感覺的人 喜歡翻圖、看速寫，不一定想讀很多字的人 如果你喜歡的是那種「很會過日子」的城市樣子，這本書讀起來，會很舒服。 書封來源:博客來

拿起《陳景容的素描技法》，不要覺得是本艱澀難懂的教學書，而抗拒讀下它喔。書名雖然聽起來會以為這是一本充滿術語、步驟說明的教科書，讀起來可能還會想打哈欠。但真正翻開來之後，才發現它其實沒有想像中那麼距離感，反而像一位畫了一輩子畫的老師，坐在你旁邊慢慢跟你聊天呢！ 書裡一直重複一個觀念：「學畫畫，一定要從素描開始。」這句話其實我從學畫以來聽過無數次，聽到後來甚至有點麻木，覺得好像每個老師都在講相同的話。但陳景容老師不只是「講道理」，而是用一種很實際、很生活化的方式告訴你為什麼。看完之後，我才真的懂，素描不是一個階段，而是一個會一直陪著你的基本功。 我很喜歡書中談到材料與工具的部分。陳老師並沒有把它講得多高深，而是很實在地分析不同鉛筆、紙張帶來的感覺差異，甚至讓人感覺他是在告訴你：「這些東西，我都用過、試過、踩過雷。」那種經驗分享的味道，會讓人忍不住想回頭看看自己是不是太常急著畫，卻沒好好了解手上的工具。 在石膏像素描的章節，我最大的感受是「原來以前真的畫得太快了」。以前畫石膏像，總想趕快把五官畫出來，好像這樣才算完成一張畫，但書裡不斷提醒要先看大關係、看明暗、看體積。這讓我意識到，素描其實很像在學觀察生活，你越急，就越容易看錯。 人體素描的部分，則讓我感受到素描和「人」之間的距離其實很近。陳老師談人體，不只是比例對不對，而是整個姿勢的重量感、動作的流動感。那一刻我突然明白，為什麼有些素描即使線條不多，卻看起來很有生命力，因為畫的人真的有在「看懂」那個人，而不只是照著形狀描。 整本書讀下來，我最佩服的不是技巧本身，而是陳景容老師那種持續創作、不斷教學的態度。書中可以感覺到，他是真的希望學生少走一點冤枉路。也許畫得不快，但畫得踏實和快樂，我想這就是書中真正想教會我的事呢。

這套書並不是你想像中那種「從零開始學畫畫」的教學書，它比較像是寫給曾經畫過一點、或是很久沒畫的那群人。 抽屜或櫃子打開，會發現鉛筆其實沒有丟、顏料也還好好放著，只是很久沒拿出來而已。不是對畫畫沒興趣，而是每次想到要開始，就會忍不住拖一下：今天有點累、桌子有點亂、等有空再說。 《藝術那麼多（Do More Art）》系列，就是在提醒你一件事：畫畫原本不用這麼有壓力，只要你想畫，隨時都可以開始。 這套來自英國的 藝術那麼多（Do More Art），不像傳統教學書那樣一步步教你「畫對的方法」。書裡只談三種很日常的工具——鉛筆、墨水、壓克力，講的也都是很實際的事： 這個工具可以怎麼用？ 可以怎麼玩？能玩到什麼程度？ 畫壞了怎麼辦？——沒關係，換個方式再試就好。 你不需要一次畫完一張，也不用替自己設定什麼目標。很多時候，你只要在心裡默默想一句：「好啦，那我也畫一下看看。」 三本書，其實對應三種很常見的狀態 《拜託了鉛筆！》適合那種只想安靜一下的時候。鉛筆是最簡單、也最隨手可得的工具，畫錯了擦掉就好。從線條、力道、明暗開始，沒有壓力地重新認識畫畫這件事。很適合在下班後、比較安靜的時間翻開，單純享受畫畫本身。 《想想墨水吧！》當你開始覺得「算了，隨便畫吧」的時候。墨水會暈、會流、會失控，你只能順著它走，反而會產生一種不可預測、很解放的創作感。這本書很容易讓人愛上墨水，也常常意外地舒壓。 《為何是壓克力？》如果你想要大膽一點、顏色多一點。壓克力乾得快、變化多，不用一直等，靈感來的時候可以一路畫下去，很過癮。 🎯 推薦給這樣的讀者 以前很愛畫畫，現在卻很久沒畫的人 畫具還在，但不知道從哪裡重新開始的人 喜歡看創作書，卻不想再被「先把基礎學好」綁住的人 想慢慢翻、慢慢試，不想被進度追著跑的人 想和孩子一起畫畫，但不想把畫畫變成上課或作業的家長 《藝術那麼多》不會要求你立刻開始一個「認真的創作計畫」。它最重要的不是技法有多完整，而是輕輕告訴你一件事：畫具還在，其實就已經很好了。什麼時候想動手，再開始就好。 創作不是為了畫得好看，而是為了讓你在畫的時候，感覺自己是自由的。如果你正在找一本，能讓你「真的動手畫起來」的藝術書，《藝術那麼多》會是一個很好的開始。 書封來源:博客來

有些藝術書，你翻的是畫。有些藝術書，你翻的是名字。而這一本，是在翻那些一直沒被好好放進去的人。 如果你常看藝術書，大概會懂這種差別。有的書會讓你停在畫前面，有的書則一直提醒你：這些名字你「應該」要記住。 但翻久了，你一定會發現一件事：名字怎麼永遠都是那幾個。 不是因為其他人沒有創作，而是因為「藝術史」從一開始就寫得很偏心。 也正因為這樣，（沒有男性的）藝術的故事 才會出現。它沒有試著在原本那套系統裡補幾個洞，也沒有幫你整理一份「女性藝術家補充清單」。它很乾脆地説：那我們就從另一邊開始講吧。 這本書之所以讓人有感，是因為它把很多讀者心裡那句一直沒說出口的話，說清楚了。芙烈達．卡蘿、歐姬芙、草間彌生，這些名字大家其實早就認識。但問題從來不是「有沒有女性藝術家」，而是：為什麼幾百年的藝術史裡，她們總是被當成特例？ 所以這本書要做的，不是再證明一次她們很重要，而是要把她們從「附註」的位置，拉回故事正中央。 🎯如果你是那種： 已經看過不少藝術書，卻對「正典名單」越來越沒耐心的人 翻畫冊時，比起背流派，更在意創作者是在什麼條件下完成作品的人 或是對女性創作、身體經驗、日常題材，以及那些常被說成「不像藝術」的媒材特別有感的人 那這本書大概會讀得很順。 接下來你會慢慢發現，這本書並不是要你記住近 500 位女性藝術家的名字。它真正做的，是把時間、脈絡、條件一一攤開，讓你看見：在不被允許學人體藝術、不能進學院、作品甚至可能被刮掉署名的情況下，她們是怎麼創作、又是怎麼留下來的。 當某些素材被說成「不像藝術」、某些題材被說成「太私人」，你也會開始意識到，那往往只是因為創作者是女性。所以在閱讀的時候，你會遇到很多完全不熟的名字，卻會忍不住把它們記下來，想著之後有時間再去找更多資料。 這本書讀起來不像論文，也不是女權宣言。它比較像是在旁邊輕聲提醒你：「你看，這個人一直都在，只是以前沒有人叫你看她。」 而在闔上書之後，你會發現，你已經開始用不一樣的方式，看藝術史本身了。 書封來源:博客來

第24屆國家文藝獎得主名單正式公布，今年共7位藝術家獲此殊榮，涵蓋文學、視覺藝術、音樂、舞蹈、表演藝術、建築與電影等領域。 得獎者分別為作家吳明益、藝術家李再鈐、國樂作曲家盧亮輝、編舞家林文中、表演藝術家王金櫻、建築家簡學義，以及導演虞戡平，每人將獲頒獎金新台幣100萬元。 頒獎典禮預計於2026年5月15日在台北表演藝術中心球劇場舉行。 — ✦ 作家 吳明益 現年54歲，是歷屆國家文藝獎文學類中最年輕的得獎者。 國藝會指出，吳明益雖長期任教於學院，卻始終未曾離開創作現場，近30年的寫作生涯橫跨小說、散文、自然書寫與評論等多種文類，不僅在國內引發廣泛討論，也逐步累積國際影響力。自2000年以來，他幾乎囊括台灣重要文學獎項，作品亦被翻譯為多國語言，持續在國際文壇被閱讀與討論。 除文字創作外，繪畫亦是吳明益創作的重要一環。他多次親自參與書籍裝幀與封面設計，甚至自嘲早年作品銷量不佳，反而讓出版社放手讓他「全權美編」。 2003年出版的《蝶道》，便是他首次從排版、插畫到印製全程親自操刀的作品。近年作品《海風酒店》中，他更以改造法國象徵主義畫家魯東名作〈獨眼巨人〉作為封面，凸顯繪畫與文學在其創作中早已密不可分。2025年，他更將小說中虛構的繪本角色帶入現實，完成圖畫書《三隻腳的食蟹獴與巨人》，形成跨文本、跨媒材的創作延伸。 — ✦ 藝術家 李再鈐 97歲高齡的藝術家，創作逾一甲子，作品形式橫跨雕塑、水墨、書法與立體裝置，至今仍持續嘗試新表現，體現一生堅持的藝術精神。 ✦國樂作曲家 盧亮輝 以「文化尋根」為創作核心，其跨越印尼、中國、香港與台灣的生命經驗，形塑出親切而具辨識度的音樂語彙，多次入圍並獲得傳藝金曲獎肯定。 ✦編舞家 林文中 於2008年返台成立舞團，近年作品逐步轉向探討文化身分、權力與再現等社會議題，使舞蹈成為思考公共議題的場域。 ✦表演藝術家 王金櫻 則歷經歌仔戲不同世代的演出形式轉變，從演員到導師、製作人，持續以身體實踐延續並重塑歌仔戲美學。 ✦ 建築家 簡學義 為竹間聯合建築師事務所創辦人，近40年來致力於建築創作，曾三度獲得台灣建築獎首獎，作品兼具實踐性與文化視野。 ✦ 導演 虞戡平 則以《搭錯車》成為台灣影史經典之一，並長期拍攝紀錄片《百年孤寂》，在新舊電影世代交替之際，留下橫跨30年的影像紀錄。 — 本屆國家文藝獎得主橫跨不同世代與創作領域，呈現出台灣文化創作在長時間累積下的多元樣貌，也映照出藝術如何在各自的位置上，持續回應時代與社會。 圖片來源：文化部