拿起《陳景容的素描技法》，不要覺得是本艱澀難懂的教學書，而抗拒讀下它喔。書名雖然聽起來會以為這是一本充滿術語、步驟說明的教科書，讀起來可能還會想打哈欠。但真正翻開來之後，才發現它其實沒有想像中那麼距離感，反而像一位畫了一輩子畫的老師，坐在你旁邊慢慢跟你聊天呢！ 書裡一直重複一個觀念：「學畫畫，一定要從素描開始。」這句話其實我從學畫以來聽過無數次，聽到後來甚至有點麻木，覺得好像每個老師都在講相同的話。但陳景容老師不只是「講道理」，而是用一種很實際、很生活化的方式告訴你為什麼。看完之後，我才真的懂，素描不是一個階段，而是一個會一直陪著你的基本功。 我很喜歡書中談到材料與工具的部分。陳老師並沒有把它講得多高深，而是很實在地分析不同鉛筆、紙張帶來的感覺差異，甚至讓人感覺他是在告訴你：「這些東西，我都用過、試過、踩過雷。」那種經驗分享的味道，會讓人忍不住想回頭看看自己是不是太常急著畫，卻沒好好了解手上的工具。 在石膏像素描的章節，我最大的感受是「原來以前真的畫得太快了」。以前畫石膏像，總想趕快把五官畫出來，好像這樣才算完成一張畫，但書裡不斷提醒要先看大關係、看明暗、看體積。這讓我意識到，素描其實很像在學觀察生活，你越急，就越容易看錯。 人體素描的部分，則讓我感受到素描和「人」之間的距離其實很近。陳老師談人體，不只是比例對不對，而是整個姿勢的重量感、動作的流動感。那一刻我突然明白，為什麼有些素描即使線條不多，卻看起來很有生命力，因為畫的人真的有在「看懂」那個人，而不只是照著形狀描。 整本書讀下來，我最佩服的不是技巧本身，而是陳景容老師那種持續創作、不斷教學的態度。書中可以感覺到，他是真的希望學生少走一點冤枉路。也許畫得不快，但畫得踏實和快樂，我想這就是書中真正想教會我的事呢。

Starry, starry night Paint your palette blue and gray Look out on a summer's day With eyes that know the darkness in my soul…♪ 這首曲子一響起，便令人勾起燦爛星空下那股炙熱的火光。輕柔優美的旋律，彷彿是呢喃的搖籃曲，令人酣然入睡。然而，唐·麥克林(Don McLean)譜曲的對象可不是那麼溫柔的人，是那位鼎鼎大名，充滿濃烈的個人色彩的藝術家－文森•梵谷（Vincent Willem van Gogh）。 梵谷的作品，你一定一眼就能認出來。 很多人都非常喜歡梵谷，除了獨具一格的畫風外，最讓人引起廣大共鳴的，大概就是他不凡又炙烈的一生。37年的人生，梵谷竭盡自己的理想去拚命，用畫筆繪出他想要展現的宏圖，如同刻苦的苦行憎般，不吃不喝卻想救濟群生。梵谷的畫如同他生命中的寫照，樸實又強烈，雖然不寫實卻一直給人一種濃厚的情感，那不是很多畫家都能夠「畫」出來的。短短的生命，彷若一本精彩的小說，在眾多的名畫家中，梵谷可謂相當獨特的一位。 木訥的個性下藏著烈火般的衝勁 雖然梵谷從小個性羞怯，但牡羊座的他可不如外表那樣溫馴。「成為自己」注定走上一條孤獨的道路，這句話在梵谷的人生中徹徹底底過37年，直到生命終結為止。描繪庶民生活和居住環境，一直都是梵谷最關心的，從故鄉荷蘭來到五光十色的巴黎，梵谷的用色整個明亮不少，場景多了夜生活的歡樂氛圍。且受到當時日本浮世繪的影響，梵谷著迷浮世繪那種更純粹、更大膽的色彩，開始了用色鮮豔、平塗的勾勒畫法，這也成為往後梵谷的繪畫特色。 亞耳的光和熱，重現生命的向日葵 身心敏感的梵谷，雖然到鮮活的巴黎，但內心仍是嚮往大自然的燦麗。聽從好友的建議來到溫暖明朗的南法-亞耳（Arles）。這裡陽光燦爛、清新可喜，亞耳的璀璨讓梵谷成為不朽，他找到自己的風格，畫出著名的《向日葵》、《隆河上的星光》。不過，成為不朽也註定是一場戲劇，待在這裡的梵谷也和好友高更起了爭執，昏亂的情緒竟把自己的一隻耳朵割下來，舉動嚇壞了大家，紛紛想趕走這位「炸彈」。 梵谷《向日葵》 燃燒生命的築夢者，悲壯畫下休止符 邁向終點的梵谷，似乎看什麼都是捲曲一般。不管是星空、還是最後住進療養院所畫的花園，捲曲的線條及獨特的色彩，彷若幻化成跳躍的火柱，一絲不安的氣息撲鼻而至。對比真實的景貌，梵谷的眼中卻看到熱烈翻騰，像是燃燒的風景。最後的《麥田烏鴉》中時陰時雨的麥田，有群鴉亂飛、無終點的畫面，彷彿是梵谷內心的徬徨、狂亂無從的心情，凌亂的筆觸和構圖，似乎是梵谷無聲的吶喊。不久後，梵谷舉槍自盡，拖了2天才離開折磨他的世界。 梵谷《星夜》 一生都和自己搏鬥，梵谷生活再苦也能十年如一日勤奮作畫。 努力克制自己不發病，緊握著生命的畫筆為自己宣示，讓我們能看到如此精采的作品，那種用生命刻劃的靈魂，永唱著滿天繁星的驪歌。

想像一下，在清晨微光中，陽光透過薄霧灑在睡蓮上，清風掀起了陣陣漣漪，使湖上水波粼粼閃閃，柔美的光影交織成一幅自然的詩意。大自然的美景盡收眼底，你曾細心品味過那動人的光影變化呢？ 莫內的畫筆下，我們可以看到每一層的用色都有細微的不同。即使同一種藍也會因為光影照射下，使得畫面中呈現一種精緻的筆觸，彷彿瞬間成了永恆。美麗的景緻長存在畫布上，成為一種「印象派」經典，讓人開始對光影產生好奇。 成名前的坎坷經歷 莫內也是十分有野心想挑戰當時處於霸占整個藝術圈的「巴黎沙龍展」。但對於不走學院派的藝術家來說，很難受到評審的青睞。這些「刷」下來的藝術家，如馬內、雷諾瓦等，還被拿破崙三世拿來舉行「落選者沙龍」，讓大眾品評而被批評和訕笑。 從家中革命出來要當畫家就是一項挑戰，沒了家中的金援、參展的畫作又被退件，窮困的無名畫家很難過上溫飽的生活。然而就是那個動人的光，照著萬物上、那千變萬化的美，令莫內終其一生也要用生涯追求。 不過，雖然貧窮但也有不少貴人相助。例如「花園中的女人」沒受到巴黎官方沙龍認可，但好友巴吉爾仍用兩千五百法郎買下，並且慷慨讓莫內使用畫室，使得當時經濟拮据的日子可以喘口氣，也令人感念這段真摯的友誼。 草地上的午餐 約1865～1866年油彩．畫布 248×217cm 法國巴黎 奧塞美術館 浪漫多情的才子vs默默守護身邊的美麗佳人 不曉得你有沒有發現，莫內的畫作常出現一位美麗的佳人呢？出身寒微的卡蜜兒可說是莫內最稱職的模特兒。 當時仍是貧困畫家的他，無法支付卡蜜兒的薪水，但她仍是無償地為莫內付出。因這份情誼，日久生情的兩人終成一對眷屬。雖然兩人的關係不被莫內的父親看好，但卡蜜兒一直待在莫內身旁，甚至還為他生了2個兒子，只可惜小兒子出生後，卡蜜兒就因疾病過世。但我們耳熟能詳如《綠衣女子》、《草地的午餐習作》、《花園中的女人》、《午餐》皆能看到卡蜜兒的身影。 看書的卡蜜兒 1871年油彩．畫布 50×56cm美國巴爾的摩 華特斯美術畫廊 大師莫內的轉捩點 1880年，莫內的人生迎來轉機。被賞識的畫廊老闆辦了生平第一次個展，再加上有媒體吹捧宣傳，讓名氣一下子有名起來，後畫商開始競價購買，莫內的知名度以不同以往。到了1890年，莫內買下吉維尼的住所，整頓起自家的花園，引進東方的睡蓮、柳樹和竹子等，甚至上面架起拱橋。 莫內最耳熟能詳的代表作《睡蓮》，就創作出約250幅作品。雖然晚年深受白內障困擾而影響創作，但我們仍能感受到出淤泥而不染的睡蓮，在不同的四季中的光影變化，池塘中的柳枝與造橋為睡蓮襯托出一股寧靜的陪伴，本身熱愛自然的莫內，想必也是陶醉在氤氳的世界中，感受最天然的光與影。 現在的你，是否更了解莫內呢？ 下一次來到法國，不妨漫步在莫內花園，感受他筆下光影的律動，也許你也會找到屬於自己的靈感與平靜，捕捉心靈的璀璨印象。